Atípica Utopía. Donde da la vuelta el viento: Jacques Tourneur el alquimista de la belleza y el horror en el cine

Equipo 57

El Equipo 57 fue un grupo de artistas españoles, fundado en el café Rond Point de París, que estuvo activo entre 1957 y 1962. Formaban parte de él escultores, arquitectos y pintores. Los artistas que inicialmente formaron el grupo en París, en mayo de 1957, fueron: los escultores Jorge Oteiza,Luis Aguilera y los pintores Ángel Duarte, José Duarte, Juan Serrano y Agustín Ibarrola, así como el arquitecto Juan Serrano.

Los pintores del Equipo 57 fueron influidos por el danés Richard Mortensen, además de por la pintura española clásica. Se apartaron del arte informal. Cultivaron un estilo abstracto geométrico. Usan un cromatismo muy intenso. Compartieron estilo, teoría (La Interactividad del Espacio Plástico), época, e incluso el estudio en el que trabajaban, con el Equipo Córdoba.

Oteiza abandonó el grupo, al que se incorporaron posteriormente el arquitecto Juan Cuenca, Néstor Basterretxea y Francisco Aguilera Amate, así como el danés Thorkild Hansen.

Experiencia interior, color y estructura en la obra reciente de Manuel Salina

Considerado desde hace tiempo un corredor de fondo de la pintura, un artista solitario e independiente, y, por ello mismo, ajeno a los dictados de las modas e incluso a contracorriente de ellas, Manuel Salinas (Sevilla, 1940) lleva protagonizando uno de los más hermosos y coherentes capítulos de la pintura abstracta española de los últimos veinticinco años. Instalado definitivamente en la abstracción desde la primera mitad de los setenta, el verdadero punto de inflexión de su obra se producirá hacia 1980, cuando los trazos enérgicos y el gesto rápido lo relacionen con el expresionismo abstracto. Debatida siempre su producción desde entonces en una suerte de tensión entre el orden y el gesto, entre la razón y la emoción, los elementos que decididamente configuran su obra actual son el color y la estructura, una combinación que comienza a predominar en sus lienzos hacia 1987, cuando realice unas composiciones caracterizadas por el equilibrio entre grandes masas cromáticas a un lado y otro de la superficie, articuladas por ejes verticales o grandes trazos en forma de arco de claras reminiscencias arquitectónicas, como un óleo de gran formato que se conserva en una colección particular de Córdoba. Ese interés por la arquitectura, que siempre desde su juventud ha sido muy grande en Salinas, es extensible al urbanismo, al diseño de muebles y a la decoración de interiores, un polo de atracción que se puede sintetizar en su interés por las formas geométricas y los volúmenes en el espacio. A pesar de la presencia de la mancha, del trazo vibrante y de la gestualidad firme, hay en Salinas un anhelo permanente de orden y de equilibrio, una inclinación hacia lo geométrico que no es más que la imagen visual de su concepción del mundo y de la naturaleza.

Estracto del catálogo para la muestra; Manuel Salinas, obra reciente, celebrada en la Sala Intalcable de la Fundación Unicaja de Málaga.

(Enrique Castaños Alés)

Los Pintores de la Nueva Escuela de Leipzig

Graffiti: arte de barricada

Se llama grafiti (palabra plural tomada del italiano graffiti, graffire) o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. La Real Academia de la lengua española designa como "grafito" una pintada particular, y su plural correspondiente es "grafitos".
También se llama grafiti a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano.
En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L'imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc. La expresión Grafiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de la Pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia.

El constructivismo ruso

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
El término construction art (‘arte para construcción’) fue utilizado por primera vez de manera despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.
El término «constructivismo» aparece por primera vez como algo positivo en el Manifesto realista (1920) de Gabo Diem. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Aplicó el constructivismo a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al suprematismo de Kasimir Malevich.

La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski, que en 1918 suprimió la vieja Academia de Bellas Artes (en Petrogrado) y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo Diem señalaría más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.
Tatlin, arte constructivo y productivismo
La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Vladímir Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo Diem criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo «O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos». Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista (de Gabo Diem y Pevsner) afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo «El arte está muerto. ¡Larga vida al arte de la máquina de Tatlin!», mientras que los diseños para la torre se publicaron en la revista de Bruno Taut Fruhlicht.
Arte al servicio de la revolución
Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el póster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña roja (de 1919). Inspirado por la declaración de Vladímir Mayakovsky «las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas», artistas y diseñadores participaron en la vida pública durante la Guerra Civil. Una instancia determinante fue el festival propuesto para el congreso del Comintern en 1921 por Alexander Vesnin y Liubov Popova, que reensamblará las construcciones de la exhibición OBMOKhU así como realizará trabajos para el teatro. Hubo un gran momento en este periodo entre el constructivismo y el Proletkult, cuyos ideales concernieron en la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva y acorde a los constructivistas. En suma algunos de los constructivistas estuvieron fuertemente envueltos en la «Ventana ROSTA», una campaña de información pública bolchevique alrededor de los años veinte. Algunos de los más famosos de esta fueron el pintor y poeta Vladimir Mayakovsky y Vladimir Lebedev.

Artistas asociados al constructivismo
Leo Breuer (1893-1975)
Ella Bergmann-Michel (1896-1971)
Carlos Catasse (1944-)
Theo Constanté (1934-)
Naum Gabo (1890-1977)
Moisei Ginzburg, arquitecto
Werner Horvath (1949-)
Gustav Klutsis (1895-1938)
El Lissitzky (1890-1941)
Louis Lozowick
Estuardo Maldonado (1930-)
Vadim Meller (1884-1962)
Konstantín Mélnikov (1890-1974)
László Moholy-Nagy (1895-1946)
Tomoyoshi Murayama (1901-1977)
Victor Pasmore (1908-1998)
Antoine Pevsner (1886-1962)
Lyubov Popova (1889-1924)
Manuel Rendón (1894-1982)
Alexander Rodchenko (1891-1956)
Oskar Schlemmer (1888-1943)
Vladímir Shújov (1853-1939)
Varvara Stepánova (1894-1958)
Enrique Tábara (1930-)
Vladímir Tatlin (1885-1953)
Joaquín Torres García (1874-1949)
Vasiliy Yermilov (1894- 1967)
Aníbal Villacís (1927-)
Oswaldo Viteri (1931-)
Yakov Chernikhov (1889-1951)
Hans Dieter Zingraff (1947-)

Suprematismo

Suprematism (Supremus No. 58), Krasnodar Museum of Art (Malevich, 1916)Fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kasimir Malevich.[1]

Vanguardia artística que surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malevich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica.

Se desarrolló entre los años 1915 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malevitch “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913.

Futurismo italiano: el brazo artístico, dinámico y cromático del fascismo....

El Futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 24 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.
...un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.
El Futurismo surgió en (Milán) Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose.
En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant'Elia y Mario Chiattone. Sant'Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de autores canónicos como Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, como Sant'Elia, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919.
Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la Patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado Pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común, lo impregnaba todo.
Según Marinetti había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.
En literatura, el Futurismo, abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad.
El llamado teatro sintético del Futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.
La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el saneamiento de un mundo anacrónico y decrépito y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.
Con el correr de los años Marinetti fue politizando el movimiento hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.
El Futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant'Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).
El Futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o Joven meciéndose. el salva

El futurismo en otros países

El futurismo tuvo sus más notables seguidores en otras naciones, como Rusia, (el poeta Vladímir Maiakovski) y otros, en Bélgica (el escritor Émile Verhaeren), en Portugal (Fernando Pessoa, quien divulgó el movimiento a través de la revista Orpheu, 1915), en España (el poeta Joan Salvat-Papasseit) y en el Río de la Plata, donde algunos poetas reflejaron temporalmente la influencia de la corriente, por influjo de la primera visita de Marinetti al Cono Sur, en 1926. Marcos Fingerit, Brandán Caraffa y Alberto Hidalgo, en Buenos Aires; y Alfredo Mario Ferreiro y Juan Parra del Riego, en Montevideo.
Trascendencia del Futurismo
La importancia que tuvo el Futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, posibilitando así una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a las demás corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.
Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.

" La perla " : una joya del cine mejicano y universal

El caso de la película " La perla ", es uno de esos muchos fílmenes, verdaderas joyas del cine, sumidas en un polvoriento olvido, debido a la supremacía de producciones de mucha menor calidad, pero bien publicitadas. Dirigida con enorme brío, fuerza y sensibilidad por el Indio Fernández; basada sobre el relato del mismo nombre de John Steinbeck y adaptado al cine por el propio premio Nóbel de Literatura. Con una fotografía de Gabriel Figueroa, el mejor director de fotografía que ha dado el cine de Méjico, trabajo que no dudo de calificar como sublime y antológico y unas inmensas interpretaciones por parte de Pedro Armendáriz y María Elena Marqués; la perla narra la historia de Quino, un cazador de perlas, que cree dar por evadida de la miseria, a su familia, tras conseguir una inmensa perla en el mar. Pero lo que él y su mujer creen que es una fortuna, no será más que el principio de su desgracia, debido a la envidia y la codicia de todos cuantos le rodean.

La "Perla", es una película, que no dudo de juzgar como única. Destila pureza, poesía, dolor y sobre todo autenticidad. Algo muy alejado de los cenáculos del cine comercial, o intelectual y políticamente de moda. Por ello, es una piedra preciosa; un diamante, que deja pasar, los rayos de luz de una obra que llena el corazón y hechiza la mirada.

Alexander Archipenko: el cubista llegado del frío....

Oleksandr Arjípenko nació en Kiev, actualmente Ucrania (por entonces parte del Imperio ruso), hijo de Porfir Antónovich Arjípenko y Poroskovia Vasílievna Majova Arjípenko; era el hermano menor de Yevgeni Arjípenko.
Estudió pintura en Kiev desde 1902 hasta 1905, en la Escuela de arte de la ciudad (KKHU), y después continuó su educación artística como estudiante en S. Sviatoslavski en 1906 (también en Kiev). El mismo año expuso en Kiev junto a Alexander Bogomazov. Ese mismo año se trasladó a Moscú, donde pudo mostrar su obra en algunas exposiciones colectivas.

En 1908 se trasladó a París, donde se relacionó con los artistas de vanguardia, especialmente con los cubistas, siendo uno de los principales impulsores de la escultura cubista.
Desde 1909 hasta 1914 residió en la colonia de artistas de La Ruche, entre artistas emigrados rusos como Vladimír Baranoff-Rossine, Sonia Delaunay-Terk y Nathan Altman.
Después de 1910, expuso en el Salon des Independants, Salon D'Automne junto a Aleksandra Ekster, Kazimir Malévich, Vadim Meller , Sonia Delaunay-Terk así como Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain.
Su primera exposición individual se realizó en el Museo Folkwang de Hagen (1912).
Durante el periodo 1912-1914 Arjípenko enseñaba en su propia escuela de arte en París.
En 1913 sus obras aparecieron en el Armory Show de Nueva York. En 1914 se trasladó a Niza.
Tras la Primera Guerra Mundial participó en la XII Bienal de Venecia (1920), y se trasladó a Berlín donde, en 1921, abrió su propia escuela. Al año siguiente participó en la Primera Exposición de Arte Ruso en la Galería van Diemen de Berlín, junto a Aleksandra Ekster, Kazimir Malevich, Solomon Nikritin , El Lissitzky y otros.
1923 es el año en el que emigró a los Estados Unidos, adquiriendo la ciudadanía estadounidense seis años más tarde.
Diseñó el Pabellón Ucraniano en Chicago (1934).
Participó en una exposición Cubismo y Arte Abstracto en Nueva York (1936), interviniendo en otras exposiciones, tanto en Europa como en los Estados Unidos.

Estilo

Asociado con el cubismo, Arjípenko se alejó de la escultura neoclásica de su época y usó el espacio negativo para crear una manera nueva de mirar a la figura humana, mostrando simultáneamente una serie de puntos de vista del sujeto. Se le conoce por haber introducido vacíos escultóricos, y por su invención de mezclar géneros a lo largo de su carrera: diseñando «esculto-pinturas», y más tarde experimentando con materiales tal como acrílico claro y terracota.

Atípica Utopía. Donde da la vuelta el viento

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sábado, 10 de julio de 2010

Jacques Tourneur el alquimista de la belleza y el horror en el cine

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